7만 원 AI영화 공습, 다시 ‘기획’이다

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최근 공개된 중국 바이트댄스의 생성형 AI ‘시댄스(Seedance) 2.0’의 등장은 전 세계 영상 산업을 단순한 파장을 넘어선 ‘실존적 위기’로 몰아넣고 있다. 단순히 텍스트를 영상으로 바꾸는 수준을 넘어, 단 두세 줄의 명령어로 복잡한 카메라 워킹(팬, 줌, 틸트)과 인물의 완벽한 립싱크를 구현해내는 기술에까지 이르렀다.

이 기술적 진화는 AI가 제작 보조 도구를 넘어 기존 영화 산업의 파이프라인 자체를 해체하고 재조립하는 단계에 진입했음을 보여준다. 실제로 중국의 한 그래픽 감독은 시댄스 2.0을 활용해 2분짜리 SF 단편영화를 제작하는 데 단 330위안(약 7만 원)의 비용만을 투입했다고 밝혔다.

이 압도적인 효율성 앞에 할리우드조차 위기감을 보였다. <데드풀>의 각본가 레트 리스는 “이제 우리 시대는 끝난 것 같다”는 절망 섞인 탄식을 내놓았고, 디즈니와 파라마운트 등 미 주요 스튜디오를 대표하는 미국영화협회(MPA)는 시댄스가 저작권이 있는 작품을 무단으로 활용했다며 즉각적인 법적 대응에 나섰다.

AI의 진화 속도와 영화 기술의 발전이 기존 질서를 무너트릴 것으로 예상되면서, 미국 금융시장조차 큰 변동성을 보이며 전례 없는 긴장감을 불러일으켰다. 이러한 충격은 한국 영화 산업에도 결코 예외가 아니다. 기술 대전환의 파도 앞에서, 우리는 어떻게 살아남을 것인가?

90년대 ‘기획의 시대’가 던지는 준엄한 교훈

돌이켜보면 1990년대 말부터 2000년대 중반까지 한국 영화계에는 소위 ‘기획의 시대’가 있었다. 당시의 영화들은 지금보다 훨씬 적은 자본으로도 관객의 심장을 관통했다. 1999년 개봉한 강제규 감독의 <쉬리>는 24억 원의 순제작비로 전국 620만 관객을 동원하며 한국형 블록버스터의 시초가 되었다.

이후 <친구>, <엽기적인 그녀>, <살인의 추억> 등은 거대한 자본이 아닌 서사의 설득력과 날카로운 시대정신을 담은 ‘기획의 힘’으로 승부했다. 그 시절 성공작들은 공통적으로 “지금, 왜 이 이야기를 해야 하는가”라는 본질적인 질문에 명확한 해답을 내놓았다.

그러나 영화 산업이 팽창하며 중심축은 이동했다. 대기업 자본의 유입과 수직 계열화가 자리 잡으며 영화는 창의성보다는 손익분기점(BEP) 수치에 매몰된 ‘투자 회수형 상품’으로 변질되었다.

안전한 장르, 검증된 배우, 예측 가능한 서사가 반복되었고, 시장은 점차 천편일률적인 작품들로 채워졌다.

관객은 이에 반응했다. 극장을 찾는 이유가 사라진 자리를 OTT 플랫폼이 빠르게 잠식했고, 팬데믹은 이미 기울어진 흐름을 돌이킬 수 없는 수준으로 가속화했다. 그 결과, 2024년 한국 영화 관객 수는 팬데믹 이전 평균의 63.1% 수준에 머물렀고, 극장 매출액 역시 70%를 밑도는 침체에 빠졌다(영화진흥위원회, 2024).

이는 단순한 외부 충격의 여파가 아니라, 기획의 빈곤이 누적된 구조적 결과다. 자본의 논리가 더 이상 흥행을 담보하지 못하는 한계 상황에서 우리는 다시금 ‘기획’의 본질을 소환해야만 한다.

기술 평준화 시대, ‘도구’를 넘어선 ‘해체’의 시작

강윤성 감독의 AI 영화 <중간계>를 살펴보자. 이 영화는 국내 최초로 AI 기술을 본격적으로 활용한 장편영화이다. 괴수 캐릭터, 차량 폭발, 건물 붕괴 등 대규모 시각효과를 AI로 구현했다. 강윤성 감독은 기자간담회에서 “CG 작업은 정밀하지만 시간과 비용이 매우 많이 드는 반면, AI를 잘 활용하면 비용과 인력 그리고 제작 기간을 엄청나게 줄일 수 있다”고 밝혔다.

기존 방식이라면 폭파 장면 하나에 4~5일이 걸리던 작업이 AI로는 한두 시간 만에 완료하며, 제작비와 기간을 획기적으로 줄여주었다. 이처럼 <중간계>가 기술적 실험으로서 주목받았음에도 서사의 빈약함으로 인해 아쉬운 평가를 받았다. 이는 기술은 앞서 나갔으나 기획이 그 속도를 따라잡지 못했기 때문이다.

기술적 결과물의 격차가 급속도로 좁혀지는 ‘기술 평준화’ 시대에는 화면의 질감이나 움직임 같은 외형적 완성도는 더 이상 변별력을 제공하지 못한다. 기술이 고도화될수록 관객에게 남는 것은 결국 “이 장면이 왜 존재해야 하는가”에 대한 근원적인 설명력이다.

이제 AI를 활용해 누구나 영상을 만들 수 있게 된 시대에, 과거의 관성적인 서사 기획을 넘어선 새로운 차원의 대응이 필요하다.

생존을 위한 제언: AI 시대의 ‘공격적 기획’

이제 우리는 AI를 단순히 제작 공정을 돕는 보조자로 보는 관점에서 벗어나, 산업 전체를 재설계하는 ‘공격적 기획’을 제시해야 한다. 이는 기술에 끌려가는 것이 아니라, 기술을 압도하는 기획의 힘을 의미한다.

첫째, 공정의 파괴적 재설계다. AI를 프리프로덕션부터 포스트프로덕션까지 통합하는 핵심 동력으로 삼아, 과거 자본 권력이 독점했던 대규모 시각효과와 복합 서사를 저비용으로 구현하는 새로운 파이프라인을 구축해야 한다. 자본의 규모가 아닌 ‘아이디어의 밀도’로 승부하는 구조적 혁신이 공격적 기획의 시작이다.

둘째, 확장 가능한 세계관의 선제 기획이다. AI를 활용해 게임, VR, 숏폼 등 무한 확장 가능한 IP 세계관을 기획 단계부터 구축해야 한다. 기획자가 곧 제작사가 되는 ‘1인 대작 시대’의 도래를 위기가 아닌 기회로 삼아, 자본의 제약 때문에 포기했던 거대 담론을 먼저 던지는 공격적인 태도가 필요하다.

셋째, 기술을 압도하는 철학적 서사다. 시댄스가 아무리 정교하게 장면을 생성해도 시대의 공기를 읽어내고 인간의 감정을 흔드는 기획자의 안목까지 대체할 수는 없다. 기술적 과시를 넘어, 인간만이 던질 수 있는 날카로운 메시지와 독보적인 세계관을 설계하는 기획력이 글로벌 공습 속에서 살아남을 유일한 방패이자 창이 된다.

결언: 기획의 시대는 다시 와야 한다

아이러니하게도 AI라는 기술의 파도가 가장 높은 지금, 우리는 다시 가장 인간적인 본질로 돌아가야 한다. ‘기획의 시대’로의 귀환은 과거에 대한 향수가 아니라, 글로벌 기술 변화 속에서 한국 영화가 살아남기 위한 유일한 생존 전략이다.

이제 기획은 단순히 이야기를 만드는 과정이 아니라, 급변하는 기술 생태계 위에서 새로운 영토를 개척하기 위한 가장 강력한 무기가 되어야 한다.

1999년의 <쉬리>가 자본의 한계를 기획의 힘으로 정면 돌파했듯, 이제 AI라는 강력한 도구를 손에 쥔 한국의 기획자들이 자본과 기술의 장벽을 허물고 다시 한번 세계 시장의 판도를 뒤흔들기를 기대한다. 한국 영화의 미래는 다시 기획에 달려 있다.